Marduk, la icónica banda sueca de black metal, se erige como un titán en la escena musical extrema. Con una carrera que abarca décadas, Marduk ha cultivado un sonido caracterizado por su ferocidad y oscuridad, sumergiéndose en la riqueza visual de las pinturas medievales y explorando versos bíblicos para dar forma a su narrativa sonora. Al sumergirse en la vastedad del black metal, Marduk se destaca al fusionar la crudeza característica del género con una profundidad lírica que va más allá de la mera agresión musical. La banda ha forjado un camino distintivo al explorar temáticas que van desde representaciones artísticas medievales, atmosferas de la segunda guerra mundial y hasta pasajes bíblicos, creando así una experiencia auditiva que trasciende lo convencional.

Su conexión con las antiguas pinturas medievales se manifiesta en la manera en que la música de Marduk parece esculpir paisajes sonoros oscuros y evocadores, transportando a los oyentes a un viaje a través de épocas pasadas llenas de misterio y sombras. Las letras, a menudo arraigadas en la exploración de versos bíblicos, añaden capas de complejidad a la experiencia, desafiando al oyente a reflexionar sobre cuestiones existenciales mientras se sumerge en la furia musical de la banda. Además de su impacto en la escena musical, Marduk ha fungido como fuente de inspiración para diversos artistas que buscan expresar la oscuridad y la muerte a través de distintas formas de arte. Su legado trasciende las barreras del sonido, influyendo en la creación artística en diversos medios, desde pinturas hasta esculturas y más allá.

En resumen, Marduk se erige como un faro en la escena del black metal, tejiendo una narrativa musical única que se adentra en las profundidades de la historia, la religión y la creatividad humana. Su impacto no solo se manifiesta en acordes y letras, sino que reverbera a través de la inspiración que brindan para explorar las facetas más oscuras y fascinantes del arte.

Un fondo oscuro y una mesa gris es el escenario donde se expone el motivo único del cuadro: un merino de la variedad armada al que se han supuesto entre ocho y doce meses de vida. Se encuentra todavía vivo, tumbado y con las patas ligadas con un cordel, en una actitud inequívocamente sacrificial, que curiosamente recuerda famosas imágenes de santos sacrificados, como la conmovedora Santa Susana de Maderno. El pintor ha utilizado una técnica muy minuciosa, su inigualable capacidad para reproducir las texturas y una luz muy calculada y dirigida que crea amplios espacios de sombras, para concentrar nuestra atención en este animal que parece asumir con mansedumbre su destino fatal.

No es esta la única obra de tema similar que realizó Zurbarán, pues se conocen otras cinco versiones de su mano, que presentan algunas variantes iconográficas y que testifican lo muy bien aceptada que fue esta representación por una clientela muy probablemente privada. Tres de ellas se encuentran fechadas en 1631, 1632 y 1639, respectivamente. La que aquí se expone se considera la de mayor calidad, aquella en la que el pintor llegó a una síntesis más apurada entre maestría técnica, dominio descriptivo y concentración expresiva, y donde alcanzó una mayor sutileza emocional. Los historiadores están de acuerdo en fecharla en la cuarta década del siglo XVII, y la mayoría apuntan al periodo 1635-1640, que constituye la época de mayor madurez artística del pintor.

Algunas de las versiones conocidas introducen elementos iconográficos que obligan a una interpretación en clave religiosa, como el nimbo alrededor de la cabeza o inscripciones alusivas al carácter sagrado del modelo. Otras, como esta, carecen de semejantes atributos. Pero aunque hay estudiosos que a la luz de esa desnudez retórica afirman que estamos ante una simple pintura de naturaleza muerta, la mayoría se inclina a pensar que se trata de un Agnus Dei. Es verdad que en este caso no existen otros elementos que no sean la simple presencia de un cordero, pero la asociación entre este animal y el Hijo de Dios sacrificado (“Cordero de Dios” como le llama el lenguaje litúrgico) estaba tan extendida que se hace difícil pensar que un español del siglo XVII fuera capaz de abstraerse de las connotaciones religiosas y contemplar esta obra exclusivamente como un maravilloso alarde técnico.

Tomado de: Banco de la República / Museo MAMU

Las Tres Llamas Ocultas encarnan la esencia del conocimiento en su estado más puro. Esta ilustración invita al espectador a interpretar la búsqueda espiritual, donde cada llama representa un aspecto distinto de secreto oculto. La primera llama ilumina el camino del aprendizaje, la segunda guía hacia la introspección y la sabiduría interior, mientras que la tercera arde con el fuego del descubrimiento y la revelación. En la quietud de la contemplación, se desvelan los secretos entrelazados entre la luz y la sombra.

Ilustracion inspirada en el libro del kybalion de Hermes Trismegisto, como alegoria a su doctrina de los tres iniciados y tambien en el disco Deiform, de la banda sueca de black metal Funeral Mist.

Este es un video reel del trabajo de ilustración realizado en los años 2012 a 2015, como una pequeña muestra del trabajo desarrollado en ese tiempo, acompañado de musica ambiental de fondo.

La Bienal de Diseño de Perú, es una organización conformada para potenciar la industria del diseño en su conjunto. Es la primera en su género en América y se realiza en el Perú, país de los incas una de las culturas más famosas del mundo. En el año 2019 tuve la oportunidad de poder participar con un proyecto de diseño llamado Cuatro Lunas, bajo la categoría de Diseño de Empaques, y del cual estuvo nominado con otros proyectos del país, y del mundo alrededor de más de 9 mil proyectos, la bienal hizo una preselección y quedaron 300 proyectos, de los cuales Cuatro Lunas fue avanzando hasta quedar entre los mejores 20 proyectos, teniendo la oportunidad de exponer en el Museo Nacional de Antropología, Arqueología e Historia del Perú y el Museo Real Felipe. y después de la exposición quedo como ganador en la categoría de Diseño de Empaques.

Recibir un premio de diseño es más que un reconocimiento; es la validación de la creatividad, la innovación y el esfuerzo dedicado a la materialización de una idea. Este tipo de reconocimientos no solo celebran el trabajo de un individuo o equipo, sino que también destacan la relevancia del diseño en la sociedad actual. Los premios de diseño inspiran a otros a alcanzar estándares más altos, fomentan la excelencia y promueven el intercambio de ideas dentro de la comunidad creativa. Además, estos galardones amplifican la visibilidad del trabajo premiado, lo que puede abrir puertas a nuevas oportunidades y colaboraciones significativas. En resumen, recibir un premio de diseño no solo es un logro personal, sino también un impulso para el campo del diseño en su conjunto.

Diseño de poster digital o impreso para la banda colombiana de Death Metal - Soulburner, para mayor resolución de la imagen descargala gratuitamente abriendola y guardandola con clik izquierdo.

Este es un calendario realizado para el año 2015, se ejecuto bajo un concepto cósmico y antropocentrismo, colocando al ser humano como medida de todas las cosas, además de su concepto, la funcionalidad de ser un calendario mas optimo para el uso que se le da, a diferencia de los convencionales.

Si quiere tener esta pieza grafica de manera gratuita para su uso, no dude en escribir a sergio@fractalconcepto.com para enviarle un archivo mas optimo para impresión.

El Objetivo de esta revista es meramente educativo, lo tratado en estas imágenes es una muestra de la composición y armonía que se logra combinando varios elementos en una pieza grafica, como textos, títulos, imágenes, vectores, y logos, para llegar a su principal objetivo que es comunicar de una manera más sencilla temas que son vistos de forma desapercibida o poco conocidos o peor aun ignorados, todo bajo el concepto del arte medieval oscurantista y sus movimientos filosóficos.

Este tema del arte oscurantista, sobre todo en pintura, quise tratarlo porque pienso que el arte clásico, dejo de ser un tema relevante para quedar sujeto en el tiempo y sobre todo en el olvido, además por que siempre he tenido fascinación por la estética clásica y oscura, y sus temas como la muerte, la vanidad y toda su iconografía que sigue representando en el mundo.

Además la visión que se gesta de un artista es muy subjetiva al pensamiento colectivo que hay detrás de una pieza grafica en diseño, esa idea de plasmar un concepto y comunicar a un público especifico para un resultado apropiado, es más amplio que la subjetividad de un pintor.

Sencillamente es el resultado de una investigación concreta basada en referentes artísticos no muy amplios a otros públicos, pero con la idea de darle un valor significativo al arte, en un soporte grafico como podría ser una publicación editorial.